Makoto San ou Monsieur Makoto en japonais. Quatre musiciens reprennent le flambeau du maître luthier avec Gendèr, un premier clip revigorant.
Si les Makoto San avancent masqués, ils ont su se créer, en quelques seulement, une belle notoriété. D’abord remarqués en première partie de Worakls, ils publient aujourd’hui leur premier clip.
L’un mange des pâtes pendant qu’un autre joue avec des citrons. D’inquiétants coléoptères rôdent et se faufilent partout. Les 4 comparses, dont l’origine se situe entre Marseille et Hokkaïdo, cultivent leur singularité tant au niveau de la musique que du visuel. En revanche, une chose est sûre : Leur technone vous laissera pas de marbre.
On peut être un pianiste de jazz fasciné par Bach et s’aventurer dans la pop contemporaine. Démonstration avisée avec Edouard Ferlet.
Epaulé par l’expert en matière sonore Joachim Oyala, Edouard Ferlet s’est attelé à l’élaboration d’un équipement spécifique. Sorte d’amalgame technologique mêlant intimement instruments et informatique. Une ouverture sur le champ (pianistique) des possibles. Qui ne manque pas par ailleurs de laisser encourir une infinité de risques.
« Au fur et à mesure du travail, je me suis aperçu des possibilités infinies et me suis noyé dans la technologie. J’ai dû revenir à l’essentiel pour trouver une liberté de jeu avec ce nouvel outil. Et le maîtriser en simplifiant les commandes de mon contrôleur MIDI. »
Obstacles bravés, prise de recul assumée, la frontière pop est franchie. Après avoir réimaginé Bach (via notamment le diptyque « Think Bach »), le jazzman Français explore ainsi une nouvelle facette musicale. Sophistiquée, plus directe. Imprégnant son écriture d’électronique, non sans préserver une place de choix à l’improvisation.
Tracklisting :
Chi
Skin
Anaboly
Vendry
Prelude N°1 in A minor (tribute to Moondog)
Corridor
Synthesis
Archæa
Morphia
En guise de premier échantillon de cette chimère implacable, voici « Chi ». Morceau enlevé, mais efficacement rythmé.
#JazzTechnologique
Edouard Ferlet – Pianoïd / Date de sortie : 8 octobre 2021 chez Melisse/Outhere.
The Paradox: Le jazzman français Jean-Phi Diary et le DJ Jeff Mills sortent un album de jazz électronique tout à fait inédit à partir de claviers, piano et boite à rythme TR-808.
Tu connais Jean-Phi !!?? Mais si ! Tu connais Jean Phi; Jean-Phi Diary est un pianiste d’origine guyanaise qui sévit avec ses touches du coté d’Oxmo Puccino ou encore Phoenix. Donc forcément, tu l’as déjà ententu. Quand à Jeff Mills, (aka alias jazz Millsart) on ne le présente plus.. Si ?
Et bien Jeff Mills est un pionnier de la techno made in Detroit. Il s’est toujours évertué (à l’instar de Carl Craig) à faire sortir la techno de son pied carré au sens propre et au sens figuré. Que ce soit pour ses projets « arty » ou encore au pied de notre pont du gard. Un « one shot » unique avec un orchestre philharmonique au bord du Gardon et surtout tout près du plus illustre aqueduc romain.
Daft Punk c’est fini et ça aura duré presque 30 ans. Le message est assez clair dans cet Épiloque.
Cependant ce n’est pas sur un décès que s’arrête l’aventure Daft Punk. Mais sur une fin assumée et choisie, voire même ici stylisée, sublimée à travers Epiloque qui est un extrait de leur film sorti en 2006 Electroma. Cette vidéo et sa musique nous procurent un brin de tristesse et de joie à la fois. Avec un tel nom; Daft Punk aurait pu capitaliser sur son nom jusqu’à la vieillesse et remplir des stades et les poches de bien des producteurs affamés.
Mais dans Daft Punk.. il y a « Punk »
Punk, comme le « do it yourself, » qu’ils ont incarné à travers leur démarche artistique en révolutionnant tout les champs des musiques électroniques. Une musique qu’ils ont fait grandir pour la rendre populaire. Iconiques, casqués, distancés rien ne peut les arrêter à part eux même. Thomas Bangalter et Guy Manuel De Homen Christo se séparent.
Un autre idée de la pop
Alors Merci! Merci Daft Punk pour cette vision, cette simplicité dans le son, merci pour avoir fait danser les teuffeurs et les invités des mariages. Merci pour avoir redéfinit la dance music, pour avoir respecté l’héritage funk et techno qui a fait ce succès « around the world ». Merci pour ne pas avoir fait l’album de trop. Et au revoir !
Ces derniers temps nous avons un peu mis de coté les chroniques posthumes. (ambiance Covid oblige les nouveautés se font rare, et MusiK Please ne veut pas devenir un corbillard); Donc cette fin inattendue est aussi l’occasion d’exprimer notre respect à feu MF Doom, Chick Corea, Tonton David, U-Roy, Mary Wilson, Johnny Pacheco (…).
Un nouveau clip aujourd’hui, un premier album dans une douzaine de jours. A l’heure de son entrée dans la cour des grands, il semblait opportun de faire plus ample connaissance avec Wassailer.
Une interview exclusive MusiK Please.
Ecouter la musique de William Serfass, c’est pénétrer dans un univers à part entière. Celui d’un artiste passionné de son. Qui apporte un soin particulier au fond comme à la forme.
Cap sur Londres
MusiK Please : Tout d’abord, une petite présentation s’impose ! Vous avez quitté la France pour Londres. Est-ce pour l’attrait de la musique ?
Wassailer : « C’est sûr que c’est la musique qui m’a aidé à rester en Angleterre, oui. Et les gens que j’y ai rencontrés, la façon qu’ils ont de penser le son, leur art du storytelling, moins scientifique, plus instinctif peut-être, ce qui me parle plus. Quand j’ai échoué au conservatoire de musique de Paris, les juges m’ont dit que j’avais trop interprété les œuvres jouées, qu’il fallait que je reste dans la technique, plus proche de la partition. Le Royaume-Uni m’a donné de l’expérience, de l’action, très vite beaucoup de concerts, de studio, de rencontres. Les frontières sont moins rigides (entre le classique, la musique actuelle, contemporaine, traditionnelle, populaire, urbaine, électronique ou folk). Et l’image, le marketing autour d’un artiste sont un peu moins importants aussi. Alors on se concentre sur l’écoute, la musique, et ça pousse à se surpasser dans l’écriture et la production de morceaux. »
Intituler son premier album « i, the bastard » n’est pas anodin. Pouvez-vous nous en dire plus ?
W : « « je, le bâtard »… je ne suis pas sûr de pouvoir expliquer le titre plus en détails, c’est assez clair, évident ! Et à la fois il y a différentes références comme Ken Loach (i, daniel blake), de Tyler The Creator (bastard), des sous-entendus, plusieurs degrés de lecture (mais je laisse ça à votre imagination). C’est un disque très personnel, mais qui raconte aussi des histoires qui ne m’appartiennent pas forcément. »
Votre biographie vous définit comme un « ex-hédoniste ». Cela signifie-t-il que désormais vous fuyez le plaisir ?!!
W :« Haha, non pas du tout, mais disons que j’ai été très très hédoniste… et que je glisse doucement vers l’épicurisme… comme beaucoup de gens j’imagine. »
Le jazz, c’est la liberté
Parmi les styles que votre musique brasse, le jazz semble occuper une place particulièrement importante ?
W : « Oui. C’est assez cliché, mais pour moi c’est la liberté, par rapport à la droiture de certaines musiques comme le classique, l’électronique, ou même les nouveaux sous genres comme la drill, qui sont souvent impitoyables sur les mélanges. Je me rends compte qu’il y a beaucoup d’éléments jazz présents dans tous les styles, alors que par exemple, il n’y a pas de techno dans la folk. Ni de folk dans la trap (ce à quoi je compte bien remédier dans mon deuxième album héhé !). Mais j’aime aussi le côté punk-avant-l’heure du jazz, très engagé politiquement et socialement. »
Les chansons de votre album se révèlent intimement liées à votre vie personnelle. Composer a-t-il une vertu thérapeutique ?
« Oui, c’est vrai, c’est surtout une manière de me débarrasser de pensées, d’idées, que j’avais depuis longtemps, mais que j’avais du mal à mettre à plat jusque-là. Londres c’est la ville où j’ai vécu le plus longtemps dans ma vie. Dix ans exactement, et il s’en est passé des choses, alors j’avais un besoin cathartique de faire le point, de créer une sorte de repère dans le temps, qui me permettrait d’avancer. Peut-être que j’avais l’impression de stagner au final, et me forcer à sortir ces chansons c’était aussi une façon de passer à autre chose. Mais comme je le disais plus haut, les histoires que je raconte ne sont pas que les miennes. Le « je » c’est parfois juste un moyen de me mettre dans les bottes de quelqu’un d’autre. »
Donner du sens à ses chansons
Comment s’opère le processus de composition/production chez Wassailer ?
W :« En général, j’ai des idées qui viennent souvent, ça dépend des évènements, mais ça peut être des rencontres, des livres, des documentaires, ou des discussions. Le soir, plutôt, et je les note ou je les enregistre, brutes (c’est la chance qu’on a, notre génération, de pouvoir tout noter, tout enregistrer, quasi-instantanément et pour pas cher). Les meilleures idées s’installent dans la tête, ne s’oublient pas. J’aime bien rester fidèle au brouillon, et surtout, m’assurer que je peux jouer les morceaux seul, sans production, qu’ils se suffisent à eux-mêmes. Après on quitte le côté architecture pour aller vers de la décoration, on choisit les couleurs, les textures : la production c’est plus esthétique, ça peut souvent mal vieillir d’ailleurs, comme les courants de mode.
Ce qui me paraît le plus important c’est d’écrire des chansons qui ont un sens, du fond, honnêtes. Et qui peuvent rester intéressantes hors contexte, ou dépouillées des sons qu’on a choisi pour le disque, en live, à capella ou en acoustique par exemple. »
Quel est le morceau dont vous êtes le plus fier depuis que vous faites de la musique ?
W : « Je pense que le morceau le mieux écrit de l’album, c’est peut-être « 242 ». Quoique. Mais la production la plus aboutie, c’est sûrement « Ghosts » ou « Son », je ne suis pas sûr. Après, je pense vraiment ce disque comme un ensemble de chansons qui créent un tout. Chaque morceau est une pierre à l’édifice sans laquelle le truc se casserait la gueule. Et je suis assez fier de tout l’album. »
Quel est votre gros coup de cœur du moment ?
W : « Lex Amor. »
Que peut-on vous souhaiter pour la suite de votre carrière ?
W : « Une tournée ! »
En attendant de retrouver Wassailer sur scène (allez… on y croit !), voici de quoi se régaler avec la toute fraîche vidéo du single « Song For Elsa ».
Wassailer – i, the bastard / Date de sortie : 27 janvier 2021 chez Empty Streets Records/Because Music.
En cet hiver glacial et confiné, la musique du duo Groove Chronicles est un remède efficace contre la grisaille. Retour sur un artisan encore actif du UK Garage.
Groove Chronicles est un duo britannique techno fondé en 1996 par le Dj et producteur Noodles alias Steven Jude. Le groupe produit du 2 step teinté d’une ambiance house digne de Detroit ou de sa petite soeur Chicago. La (ou le) 2 step c’est un savant mélange de UK garage (house du Royaume-Uni généralement à 130 bpm souvent associée à des musiques urbaines comme le rap, la soul ou encore le reggae), de r’n’b et de drum n’bass. Ce type de son était diffusé sur de nombreuses stations pirates célèbres comme London Underground FM, Freek Fm, Ice FM ou encore Upfront Fm. Encore une vingtaine d’années après, le UK garage est encore bien présent au Royaume-Uni.
Le duo formé avec EI-B alias Lewis Beadle prend malheureusement fin 3 ans plus tard, en 1999. Leur discographie se compose majoritairement de singles et d’EP éparpillés : The Beginings, No Body, Shattered / Epic ou encore Chronicals Theme. Seul un album leur est attribué : Groove Chronicles Album paru en 2006. Noodles officie aujourd’hui en solo sur son label DPR.
Dans un interview, Dj Noodles est revenu sur sa carrière qui a vraiment décollé auprès du label Unity Records :
« J’ai toujours dit que je voulais faire quelque chose de différent, une « musique hybride » aux « rythmes hybrides ». Il y avait plusieurs endroits dans Unity Records, comme il y avait un backstairs que nous utilisions pour descendre dans la section jungle, et vous pouviez entendre aussi de la drum’n’bass évidemment ou bien du hip hop et du R & B dans une autre section. J’entendais des morceaux de tous ces genres ensemble. Je pensais que personne ne faisait ça et c’était vraiment le cas. »
Factmag
Dj Noodles
Nous avons sélectionné pour vous, quatre titres incontournables qui vous feront voyager et groover, sur la mesure des beats de Groove Chronicles :
Groove Chronicles :Shattered
Myron – We Can Get Down (Groove Chronicles remix)
Ce morceau est un remix de We can get down issu de l’album Destiny. Seul un extrait du chœur, qui accompagnait Myron, est conservé et égraine un « get down » entêtant. Le rythme plus lent qu’à l’usage magnifie une bass-line tranquillisante ponctuée d’une basse wooble lointaine.
Groove Chronicles : Stone Cold
Dj Noodles a déclaré à propos de Stone Cold :
« Cet air a brisé les frontières quand je l’ai joué pour la première fois une boite de nuit de Londres en 97. La réaction a été folle. Les gens ont commencé complètement immobile, puis ils ont commencé à danser quand la basse a chuté. Cette ligne de basse signature que tout le monde connaît, est un vrai classique. »
Groove Chronicles : No body
Sur un sample de Kelly Charles rendu célèbre par The Prodigy dans No good.
A quelques jours de la parution de son cinquième album studio, Melody Gardot en dévoile un nouvel extrait.
Une chanson dont le titre parle pour lui-même : « C’est magnifique » !
Si la pandémie de covid-19 a nécessairement compliqué la donne, Melody Gardot aura eu le dernier mot ! Des contraintes imposées par le confinement, la plus française des jazzwomen américaines en aura en effet puisé une force. A l’instar du morceau « From Paris With Love », porté par un orchestre virtuel (et à retrouver ici), son disque « Sunset In The Blue » aura ainsi effacé les distances. Rapprochant des musiciens jouant sur des continents différents. La technologie a parfois du bon…
Grâce à « Sunset In The Blue », Melody s’offre un duo avec Sting. Mais mêle également son timbre de velours avec la voix du chanteur Portugais António Zambujo. Pour un pur moment de douceur…
#JazzSatiné
Melody Gardot – Sunset In The Blue / Date de sortie : 23 octobre 2020 chez Decca.
Le 18 septembre 1970, Jimi Hendrix est retrouvé sans vie dans une chambre d’hôtel. C’était il y a un demi-siècle. Et pourtant son œuvre continue d’illuminer la sphère blues & rock.
En seulement 4 albums (dont un live), Jimi Hendrix aura créé sa légende. Connu pour son jeu démonstratif (voire provocateur), le génial guitariste a su surtout forger son propre son. Un amalgame électrique de rock, blues et jazz, au sein duquel guitare et voix s’entremêlaient dans une intimité inédite.
Comme tous les membres du tristement célèbre club des 27, Hendrix aura laissé une trace musicale indélébile. Mais il reste sans aucun doute celui dont l’héritageposthume s’avère le plus conséquent. Disques studio, témoignages scéniques… l’industrie hendrixienne n’a pas chômé depuis la disparition de son icône inéxorablement rentable. Avec un intérêt artistique (trop) souvent mitigé.
Cinquantième anniversaire oblige, un nouveau coffret est annoncé. « Live In Maui » compile les deux concerts donnés par le Jimi Hendrix Experience sur l’île hawaïenne. Complété du documentaire Music, Money, Madness,retraçant le passage du groupe à Maui.
L’ensemble est packagé en double CD ou triple vinyle + blu-ray. Si la démarche demeure toujours discutable, la capture de l’emblématique « Voodoo Child (Slight Return) » remet tout de suite les choses en place. Le talent reléguant la technologie et l’enrobage outrancier à une totale futilité.
#Intouchable
Jimi Hendrix – Live In Maui / Date de sortie : 20 novembre 2020 chez Legacy Recordings.
Cabasse a sorti The Pearl Akoya, une enceinte qui concurrence la Phantom de Devialet. Nous avons eu la chance de l’essayer pendant plusieurs jours. Nos impressions:
La première impression
Dès le déballage de la bête, on se sit que « c’est du lourd ». Et on ne vous dit pas ça parce que l’enceinte pèse 6 kilo, non non.. Ce poids important (mais trois fois moins élevé que sa grande soeur The Pearl sortie fin 2018) est une condition sine qua non si on veut des basses dignes de ce nom. Non, dès le déballage on a à faire un gros bijou: La sur-housse qui recouvre la sacoche de transport sur mesure et enfin la housse dans la housse qui protège l’enceinte. Un mot nous vient à l’esprit : « Mon précieux«
Etant donné le prix de l’enceinte (1490€), nous n’en attendions pas moins. Cabasse arrive sur un segment d’enceinte connectée haut de gamme qui méritait bien un conditionnement et une apparence bluffante. En effet, question design, l’enceinte The Pearl Akoya n’a pas à rougir face à la Phantom Devialet. Sa forme sphérique lui permet même de s’intégrer plus harmonieusement dans notre intérieur. Surtout lorsqu’on a a deux exemplaires comme ce fut le cas lors de notre essai. Les deux sphères s’intègrent un peu partout dans la maison. Plan de travail de la cuisine, table de nuit de la chambre à coucher et bien entendu elles trônent aussi fièrement et discrètement dans votre salon. On peut parler de discrétion surtout au regard de ses performances assez incroyables. Sa taille est de 220 x 220 x 220 mm.
Si son poids et sa taille ne sont pas vraiment rikiki, les performances des enceintes The Pearl Akoya sont énormes. Rappelons avant tout qu’il s’agit d’enceintes actives; qui se passent donc d’ampli et qu’il faut brancher sur secteur. Alors une fois branchée et connectées (via Bluetooth, Wi-Fi, Ethernet RJ45, entrée optique SPDIF, entrée analogue RCA, port micro-USB) le temps est venu d’écouter. D’habitude on part à la recherche de titres qu’on connait par coeur pour pouvoir comparer ce qui est comparable par rapport à nos systèmes d’écoutes habituels, par exemple le titre Il Feel It Coming de Daft Punk & The Weekend, ou Dark Side Of The Moon de Pink Floyd. Mais dans ce cas présent le balayage aléatoire de la playlist nous laisse déjà rêveur.
Que ce soit la soul vintage de Al Green, le hip hop sans lubrifiant du dernier album de Run The Jewels, ou la Ritournelle de Sébastien Tellier; On est subjugués. Ces enceintes à la forme originale n’ont rien à envier à de bonnes vieilles enceintes colonnes ou bibliothèque High Fidelity; Et ce, sans ajout d’un caisson de basses. Le résultat est impressionnant. Pourtant avec un salon d’une hauteur de plafond de 3 mètres nous avons connu pas mal de « déceptions » avec les différentes enceintes connectées qu’il nous a été amené de tester.
Une fois le calibrage automatique effectué (et même sans passer cette étape) le rendu nous a assis. Ou plutôt nous a levé; Avec une irrésistible envie de danser. Car disons le! The Pearl Akoya n’est pas une enceinte complémentaire. C’est vraiment un haut parleur polyvalent qui comblera autant vos instants de dégustations musicale que vos soirées dansantes.
Alors petit bémol: Si on retrouve presque tout les services de streaming compatibles (Spotify, Deezer, Qobuz, Napster, Tidal) avec l’application dédiée StreamCONTROL, pas encore de Apple Music en Wi-fi. Un détail qui va être corrigé par la firme bretonne lors de la prochaine mise à jour nous dit-on. Rassurez vous; En Bluetooth tout ce qui sort de votre smartphone pourra être lu par The Pearl Akoya. Y compris les vidéos youtube même si le temps de latence entre le son et la vidéo ne sont pas idéales pour un tel usage. Enfin, pour en finir avec ce qui fâche. Là ou les produits apple et beats se synchronisent par simple contact. La mise en place de la connectivité, l’appairage, la configuration en stéréo demandera quelques minutes.
Quelques minutes vites oubliées face aux performances des enceintes; qui seront compatibles en multiroom si vous disposez d’autres équipements Cabasse. C’est notre cas avec un ampli StreamAMP, et le tout fonctionne ensemble à merveille. De plus sans parler d’égaliseur, il est possible de personnaliser le rendu de vos Pearls en 5 modes distincts. L’enceinte gère naturellement tous les formats MP3, FLAC, WAC, ALAC, WMA, AIFF .
la dernière impression
En somme, à part l’absence provisoire de Apple Music, et une interface austère sur PC, les enceintes The Pearl Akoya intègrent la technologie tri-coaxiale propre à Cabasse. Une approche inégalée qui élargit le spectre des musiques que l’on peut écouter avec « du Cabasse ». Là ou la marque est LA référence en matière de musique classique et de jazz; les musiques électroniques ne sont pas en reste. Quant à la puissance (1050W RMS), elle est au rendez-vous sans rogner sur la qualité. Un must !
Surprenant opus electro symphonique, « O » vaut le détour à bien des égards. Et pour le savourer mieux encore, son géniteur LAAKE en détaille lui-même chacun des titres du tracklisting.
Une exclusivité MusiK Please.
1. Run :
« C’est le premier titre de l’album et pourtant c’est loin d’être mon préféré. Je n’ai vraiment pas l’habitude de faire ce genre de progressions d’accords et j’ai été assez étonné de faire un morceau quasiment positif pour une fois ! Je me suis dit que ce morceau parlerait à plus de gens. Il peut paraitre très simple à l’oreille mais il est très compliqué à jouer, c’est d’ailleurs le morceau sur lequel on a le plus peiné pendant l’enregistrement et le mixage. »
2. Panic :
« Ce morceau vient contrebalancer les ondes positives de « Run », l’idée était d’exprimer des émotions de stress. La panique nous fait faire des choses insensées, irréfléchies. La boucle de piano de début laisse place à une rythmique techno, puis finalement l’orchestre arrive et emmène le morceau dans une autre direction, on ne sait jamais trop si on va retomber sur ses pieds. Il y a une véritable instabilité dans ce morceau, à la fois mélodique et rythmique. »
3. November :
« « November » est une chanson d’amour, c’est aussi le mois de ma naissance (j’en parlerai un peu plus loin). Le morceau se décompose en deux parties, une partie chantée, douce, et une partie mouvementée, instrumentale. On peut entendre sur la toute fin un bruit d’éclat de verre. »
4. Broken :
« Je pense que c’est le morceau que je préfère de l’album. La structure rythmique saccadée et à contretemps est vraiment cool à jouer en live. Elle se répète à l’infini sur le morceau et de plein de manières différentes. Elle est jouée par les instruments, mais aussi par la basse et le kick, à l’unisson. Le morceau s’appelle « Broken », clin d’oeil à la rythmique cassée. Mais c’est plutôt la réunion de tous les éléments rythmiques et mélodiques pour former un tout. »
5. 1989 :
« C’est le tout premier morceau que j’ai écrit pour l’album. Je l’avais placé en premier dans la tracklist au début. C’est aussi l’année de ma naissance. J’ai eu 30 ans en fin d’année dernière et j’ai voulu me laisser un souvenir de moi pour plus tard à travers cet album. Ça peut paraître assez egocentré je l’admets, mais cet album est un reflet de moi-même en quelque sorte ! »
6. Fugue :
« Fugue est le morceau qui se détache le plus je pense en terme de style et d’originalité, c’est un mélange entre musique classique, transe, techno/hardcore. Le début du morceau pourrait aussi être une instru de rap. Le cliquetis qu’on entend dans la rythmique, ce sont des clés qui s’entrechoquent. »
7. Castaway :
« Castaway raconte l’histoire d’une séparation, celle de quelqu’un qui fuit, un naufragé, elle parle aussi de solitude. »
8. Mind (feat. Tallisker) :
« J’avais envie d’avoir ma pote Tallisker sur cet album. Éléonore est une productrice et chanteuse dont j’apprécie beaucoup le travail. On a essayé pas mal de choses sur ce morceau que l’on pensait faire en anglais à la base. Le français s’est finalement assez vite imposé sur un texte que j’ai écrit, l’idée était de le réciter à la manière d’un poème. Il parle de la fin du monde, avec une touche positive néanmoins. Dans chaque couplet, on peut entendre le nom d’une fleur ou d’une plante. »
9. Faather :
« Ce morceau est une conversation entre un père et son fils. C’est le morceau le plus complexe, de l’album je pense. Le plus expérimental aussi. Il demande aussi une grande dextérité aux cordes avec ce jeu en tremolo très rapide tout le long du morceau. »
10. Diffraction :
« Diffraction est l’interlude avant le final de l’album. La diffraction est le comportement d’une onde lorsqu’elle rencontre un obstacle. On parle souvent de la diffraction de la lumière, ce titre fait écho à « Lights » dernier morceau de l’album. »
11. Lights :
« J’ai voulu terminer cet album par un morceau un peu moins sombre et même si le début est un peu dramatique toute la partie centrale est relativement douce. Il y a cette idée d’ombre et lumière très présente dans ma musique et mes visuels. Le morceau finit quand même par s’emballer car je ne peux pas m’empêcher de faire des fins brusques :) ! »
Et parce qu’en live c’est encore meilleur, on vous conseille vivement la prestation de LAAKE… avec orchestre s’il vous plait ! Un concert donné à l’oaccasion du Piano Day organisé par la chaîne Arte. A découvrir tout de suite ici.
Un grand merci à LAAKE pour sa disponibilité, à Lola pour son peps et sa réactivité.
